martes, enero 31, 2017

La literatura de terror: orígenes y autores


La literatura de terror, también llamada gótica, tiene como elementos esenciales y característicos la aparición de seres sobrenaturales. Existen muchos autores que han incursionado en este género añadiendo a la tradición literaria nuevos elementos, estructuras, formas y temas que convergen en un solo camino: el terror. Otra característica esencial es que infunden el miedo psicológico entre sus lectores.

El origen, adaptación de la mitología de los antiguos griegos

En sus orígenes, entre los pueblos de la Europa central y del norte, surgieron cierto tipo de narraciones, historias contadas de boca en boca y no plasmadas en el papel hasta el siglo XIII, sin tomar en cuenta el Libro de los muertos de la cultura egipcia, o el Libro de Enoch de los hebreos.

Estas narraciones adaptaban la mitología de los antiguos griegos al mundo en que eran expresadas, es así como surgieron las historias de vampiros, brujas y hombres lobo, entre otros seres fantásticos creados por una imaginación colectiva.

La Edad Media, lo sobrenatural va de la mano de lo cotidiano

Posteriormente, surgieron algunas obras que se basaban en estas narraciones para dar cabida a seres no concebidos en la realidad cotidiana. No obstante, durante la mayor parte de la Edad Media, lo sobrenatural y lo cotidiano caminaban de la mano por el mismo sendero.

Durante este periodo existía tanto entre la gente culta como entre la inculta una fe incuestionable en toda clase de fenómenos sobrenaturales. Más tarde, las clases superiores de la sociedad fueron perdiendo la fe en lo sobrenatural, lo que dio paso a una etapa de racionalismo clásico.

La literatura de terror siglos adelante, la novela gótica

A continuación llega, hacia el siglo XVIII, el período de la novela gótica, máximo exponente de este tipo de literatura. Autores como William Blake, Horace Walpole y una de las más importantes figuras en este género, Mrs. Radcliffe, dan cuenta de los primeros elementos de la narrativa de terror de la modernidad.

En esta última autora hay todo un conjunto en sus obras, pues da un equilibrio entre lo sobrenatural de los personajes y del ambiente, y de la misma manera desarrolla racionalmente un hecho que no pretende serlo. Logra pintar un cuadro que produce en el lector el terror de los autores del siglo XIX.

La influencia de Edgar Allan Poe

Para este último siglo, hay varios exponentes, no sólo en Europa, sino también en América con uno de sus representantes más influyentes en la historia de este género: Edgar Allan Poe.

En él, al igual que en Mrs. Radcliffe, se da ese equilibrio especial entre personajes, historia y ambiente. Más tarde se presenta otro autor norteamericano, el cual se encarga de hacer un estudio sobre la literatura de terror y aporta datos importantes para el estudio de este género: H.P. Lovecraft.

Además de este estudio, con su obra revela parte de una nueva mitología no concebida anteriormente. Este elemento será explotado por los autores herederos de toda esta narrativa en la ciencia ficción o en la novela policiaca.

Otro tipo de textos, las leyendas

Aunque la literatura de terror tiene sus orígenes en esas narraciones orales de sucesos sobrenaturales, existen todavía ese tipo de narraciones, sin ser consideradas como literatura de terror, entre ellas se pueden contar las leyendas, típicas de todas las regiones que recogen experiencias de personas y que se van transmitiendo de generación en generación.

Las leyendas son parte del acervo tradicional de los pueblos y no se deben confundir con la creación de autor, aunque muchos autores toman como base todas estas historias.

martes, diciembre 20, 2016

Escribir versos ¿Cómo escribir poesía?


No existen fórmulas oficiales para escribir versos o un poema pero sí ejercicios para desarrollar la imaginación y creación de versos a partir de palabras.

Todos los oficios requieren de ensayar y practicar una y otra vez con lo que se trabaja para que el resultado final sea como cada quien lo quiere. Para ello también es importante descubrir cuál es el fin que se persigue, por ejemplo si se quiere ser el mejor en el oficio que se practica, tener reconocimiento de la comunidad a la que se pertenece, mejorar la economía personal, etc.

El oficio de la escritura, como todos los demás, requiere de mucha práctica y de un plus, que es la lectura. Si se habla específicamente de la poesía, conlleva una mayor dificultad, pues este género puede o no gustar a muchos, por lo que el poeta o escritor tendrá que buscar a sus propios lectores.

Qué es poesía y cómo escribir versos

Definir poesía en la actualidad es difícil. Las normas aceptadas para decir que algo es poesía son variables. Los conceptos de poesía se forman de manera subjetiva por los propios poetas, es decir, que con el paso del tiempo van estructurando su propia poética, sometiéndose a sus propias reglas, hábitos y temas.

Para incursionar al terreno de la escritura de poesía, según diversos autores, es necesario tener una mentalidad abierta, quitarse los prejuicios y tener siempre algo qué decir. Muchos libros y páginas electrónicas ofrecen manuales de escritura con fórmulas preestablecidas para escribir versos, sin embargo el verdadero poeta no se encasilla en fórmulas preestablecidas.

Según Martin Heidegger, la poesía y el arte en general es una manifestación de la verdad, entonces todo puede ser sujeto a escribirse y convertirse en poesía.

Consideraciones para escribir poesía

Lejos de buscar una fórmula para escribir un poema se debe tener en cuenta que es necesario leer mucha poesía tanto antigua como contemporánea para reconocer los estilos de épocas, corrientes, escuelas y autores. Si alguien desea comenzar a plasmar sus ideas en el papel deberá tomar en cuenta diversas consideraciones generales en las que muchos concuerdan:

  1. La poesía generalmente está escrita en verso. Aunque existen otras formas como la prosa poética.
  2. Debe contener imágenes poéticas.
  3. Su lenguaje debe ser universal.
  4. Debe contar con musicalidad, ritmo. Ésta no se da necesariamente con la rima (Incluso la rima que fue muy usada en siglos anteriores ya está en desuso para muchos. En la actualidad lo que prevalece es el verso libre).
  5. La poesía no es sólo un juego de palabras que se oyen bien.
Existen métodos para escribir, así como diversos ejercicios para la soltura de la escritura y la imaginación, que no se deben tomar en cuenta como una receta de cocina, pues poco a poco quien comienza a escribir poesía deberá refinar su propio estilo.

Ejercicios de escritura creativa

Entre todos esos ejercicios está uno que permite hacer juegos de palabras, creación de versos o estrofas. Es utilizado en muchos talleres de creación y consiste en hacer recortes de palabras de un periódico o revista, revolverlos en un contenedor y sacar uno por uno al azar e ir formando los versos.

Puede parecer que son palabras aisladas pero luego se pueden acomodar con conectores e ir intercambiando género y número de cada palabra. Con dicho ejercicio se logra jugar con el lenguaje y ofrecer una gama de posibilidades para estructurar frases.

Otro ejercicio consiste en hacer tres listas con el mismo número de palabras, una para sustantivos, otra para verbos y otra para adjetivos, para luego escribir versos, por ejemplo:

Sustantivos, Verbos, Adjetivos

  • Casa, Sonreír, Sordo
  • Agua, Soñar, Alegre
  • Caballo, Correr, Violeta
Luego de hacer las listas se intentará hacer cruces de palabras:

  • Sueño con agua violeta
  • cerca de una casa que sonríe
  • a los alegres caballos
  • que corren a los sordos campos
Algo importante en el ejercicio de la escritura es crear un hábito personal. Hay escritores que se obligan a escribir diariamente un determinado número de páginas. Hay quienes se tardan hasta 10 años en escribir un solo libro. Lo importante es buscar un estilo propio, fijar bien las metas y leer a la par de la escritura.

viernes, enero 29, 2016

Incurable silencio

Mi silencio es incurable, pero no me mata.
Sólo a ti.
Cuando vives en la espera de mis ojos todo se contrasta, el aleteo
de siempre estar
ya ni el silencio me domina, ahoga mi abandono en blanco
mis plegarias aún palpitan, por qué te fuiste.
Largos andares te traían me llevaban
Pero el demonio del tedio nos alcanza
siempre nos alcanza y aún me duele.
Quiero mi silencio de regreso, tu mirada, tu memoria desvanece.
Cada día huyo de la siesta interminable.

domingo, enero 10, 2016

Semejanzas entre Las Noches de Cabiria y el niño del globo rojo

 Las películas El Globo Rojo y Las Noches de Cabiria, a pesar de ser muy diferentes entre sí en cuanto a formas y temas, son muy similares en cuanto el carácter de sus personajes principales y lo que estos representan. Ambos son una especie de incomprendidos sociales que son rechazados por las personas de su entorno, desde la figura institucional hasta la familiar, pero que luchan ante las adversidades para tratar de lograr cumplir todos sus deseos.

Cabiria es una prostituta de Roma que busca el amor por sobre todas las cosas, pero también busca una vida mejor, una estabilidad y estar bien consigo misma, pero es demasiado ingenua y esto le impide ver la verdadera intención de las personas que se acercan a ella, quienes la engañan y se aprovechan, dejándola al final infeliz y sin nada.

ensayo las noches de cabiria


El pequeño, en cambio, busca la amistad. Busca la compañía de alguien que lo comprenda y cuando lo encuentra, los demás niños no pueden tolerar su bienestar, así que hacen hasta lo imposible por aniquilar su felicidad.

Cabiria y el niño son inocentes, representan la inocencia en un mundo incapaz de ver por los demás y preocuparse por el otro. Las fuerzas entre el bien y el mal están representadas en ambas películas, los protagonistas luchan contra la sociedad. Sin embargo, a pesar de todas las dificultades a las que se enfrentan, al final se presenta una alternativa, un brillo en el camino que les dice que no todo está perdido y que aún se puede seguir buscando la felicidad.

ensayo el globo rojo película



Algo importante en ambas películas es que lo que sucede a estos dos personajes no es exclusivo de alguna persona o grupo de personas en específico, sino que se convierte en algo universal al tratarse de una búsqueda de la felicidad en ambos casos. Esto permite una identificación directa con el espectador a pesar de que se trate para algunos de realidades alejadas e incluso fantásticas.

jueves, octubre 29, 2015

Comentario Dead man walking

Considero que una de las premisas más importantes de la película Dead man walking, de Tim Robbins, es que incluso un homicida sigue siendo humano y por tal  motivo merece vivir, incluso ni la justicia humana tendría derecho a quitar la vida de nadie. Aunque en la película se mezcla mucho la religión y la moral como elementos para poner en jaque la postura de los personajes y del espectador, creo que la fotografía ayuda y trabaja para enfatizar dicha premisa.  

Por una parte tenemos al asesino Poncelet, a pocos días de ser ejecutado por pena de muerte y por otra a la moja Helen, que tal pareciera sus universos son totalmente diferentes y separados. Sin embargo, de manera progresiva vamos viendo que no son tan diferentes como parece y en parte es gracias a la colocación de la cámara y la iluminación que vamos viendo cómo ambos personajes viven encerrados en su propia esfera. 

comentario dead man walking

De manera simbólica siempre casi siempre hay una barrera física entre ellos, en sus encuentros en la cárcel, la barrera son los barrotes o vidrios, que la cámara siempre hace visibles. Los barrotes o mallas siempre están anteponiéndose a los rostros de los personajes, incluso a veces no se distingue quién es quien está encerrado, lo cual hace suponer que la intención es sentir que ambos están encerrados en sus propios mundos, uno en el de la mentira y la no redención, y la otra en un mundo religioso en el que no ve más allá de a bondad.

            Pero también hay planos en los que la cámara capta el reflejo de algún personaje apareciendo ambos a cuadro, estas tomas son casi al final cuando entre ambos personajes ya no hay barreras y se encuentran en la misma posición, ambos son personajes ensimismados, alejados de su comunidad y con la necesidad de ser perdonados. Sin embargo, cuando hay tomas de vidrios como barreras espejos a Helen se le ilumina más y a Poncelet se le deja en una zona más oscura, es decir, que a pesar de haber llegado a un punto donde están al mismo nivel, sobre Poncelet recae un peso negativo, simboliza el mal, la oscuridad, en cambio Helen simboliza la redención, la luz, la divinidad. 

Estas dualidades, en lo personal, me parecen sobrevaloradas, ya que enfatizan a la religión cristiana, sobre todo su concepto de perdón y de vida eterna como la panacea, incluso por encima de la justicia humana. Al final, la cruz que se forma con la figura de Poncelet y de los adolescentes muertos, reafirma esta idea, como si al final de cuentas el triunfo no pertenece a este mundo.


            Dejando de lado los elementos y  simbolismos religiosos, lo que la fotografía evidencia es humanizar al personaje que por ser homicida deja de ser humano ante la opinión pública y humanizar, en este sentido, es poner al nivel al homicida con la religiosa, además de romper las barreras físicas para que exista una simpatía más emocional.

Sandra de Santiago Félix
19 de marzo de 2015

Comentario sobre Los Ladrones Viejos de Everardo González

Al ver el documental Los ladrones viejos de Everardo González lo primero que se me viene a la cabeza es una pregunta, ¿vale la pena cualquier tema o cualquier personaje para ser abordado en un documental o película de ficción? Pues si se realiza algo es porque al creador le interesa dar a conocerlo, le gusta el tema o hay algo que le inquieta sobre lo que pone en pantalla. En el caso de Los ladrones viejos no me resulta claro cuál es la postura del autor, pues se aborda la vida de personajes no gratos para la sociedad. De inicio, como se narra la historia, se nos presenta a varios personajes que poco a poco nos van descubriendo su oficio: ladrones.
Con una mezcla de imágenes de los años sesentas se crea una atmósfera que nos sitúa en ese ambiente, que sirvió de escenario para los ladrones cuando jóvenes. Las imágenes en su mayoría son en blanco y negro y hacen contraste con la época actual de los protagonistas que se ve en color. Pero conforme avanza la historia de cada uno, nos damos cuenta que no todo es tan malo como pudimos pensar al inicio, pues vamos conociendo poco a poco a los personajes y nos delatan lo que hay más allá de ser un simple ladrón, lo humano, lo personal que sencillamente se identifica con todo el mundo.

Desde la necesidad económica, que generalmente los llevó a incursionar en este “oficio”, pues así lo llaman ellos, un oficio como cualquier otro, hasta el puro gusto de quitar un poco a quienes les sobra, muy al estilo Robin Hood, estos ladrones se reivindican un poco casi al finalizar el documental, porque comprendemos que  “el pasado siempre es mejor” incluso en la delincuencia. Estas personas robaban sin hacer daño a sus víctimas, era como un código de honor de la época. La comparación se hace con el tiempo moderno, en el que la inseguridad y los robos casi siempre son a mano armada.
Si se trata de sacar algún tema de este documental, encuentro que es el pasado como etapa mejor que el presente siempre. El anhelo a volver al pasado incluso hablando de inseguridad, porque en el pasado siempre es mejor, el bienestar sólo es una falacia, una promesa que nunca llegará. Antes hasta los delincuentes eran decentes, cosa que hoy en día no se puede concebir, ya que delincuencia es sinónimo de escoria social.
Y a pesar de anhelar ese pasado glorioso, Everardo también nos muestra cómo los ladrones no actuaban solos, sino que, como siempre, estaban coludidos con las personas que ejercían la justicia. Sobornos, palancas, venganzas y pactos entre delincuencia y autoridad existieron con esas grandes leyendas del robo y siguen existiendo.
Los ladrones viejos es un documental muy claro en cuanto a la estructura de la narración, hace uso del testimonio y de imágenes de archivo para situarnos en una época gloriosa de estos ladrones, también utiliza imágenes de la película El automóvil gris y recortes de periódicos que dan fe de los acontecimientos.  Su aporte también se puede pensar como documento histórico, ya que plasma de viva voz un tema y época que no es tan fácil de sacar a la luz, y en esto radica la hazaña del cineasta: lograr capturar las imágenes del reclusorio, las entrevistas con estos personajes y mostrar su faceta personal, mas no su arrepentimiento, pues ellos se siente orgullosos de su oficio, se consideran únicos, buenos en lo que hacen sin ejercer violencia.
Sin embargo, creo que se hace un uso exagerado de las imágenes que apoyan los testimonios, en ocasiones parece que las imágenes de archivo o periódicos son lo único que se pudo conseguir y no hay cómo rellenar los huecos. Aunque a pesar de ello se logra contar una historia redonda.
En mi opinión creo que se hace una apología muy personal por parte de Everardo hacia los ladrones de antaño, como una especie de figuras heroicas, al estilo del hampa de Estados Unidos de los años veintes. Sin embargo, creo que es un documental parcial, pues no contamos con la otra parte, la que fue robada. En general cuando se trata un tema de rasgos éticos y morales me interesa ver la contraparte y no sólo quedarme con una sola visión, considero que es en este aspecto que falla el documental.
En cuanto a aspectos físicos y formales, creo que es un gran logro, pues hay valor para abordar temas donde se juegan intereses de autoridades, aunque como ya pasó mucho tiempo de estos sucesos, de la coalición entre delincuencia y seguridad pública, o las torturas que se practicaban por los miembros del servicio secreto, tal vez ya no exista tanto problema. Sin embargo, el hecho de afrontar temas polémicos para el público, es un gran riesgo que el cineasta debe plantearse como una posibilidad, pues si no no tendría caso hacer algo que no cuesta hacerlo.
El hecho de contar con este documental aumenta las posibilidades de que nuevos cineastas también comiencen a cuestionar e investigar los asuntos del pasado, que simplemente han quedado en el olvido por descuido o intencionalmente para que la gente no se dé cuenta de lo que acontece. Creo que faltan más documentales de este tipo, de mirar al pasado para comprender el presente, tanto en asuntos públicos como privados.
Los ladrones viejos cuenta con muchas líneas argumentativas que no todo mundo puede recibir de la misma forma, se debe tener una mente abierta para entender a todos los entrevistados y ponerse en sus zapatos, o bien, para desechar esta idea y juzgarlos a la par de la justicia.

Comentario sobre el documental El Caso Pinochet

La mayoría de los países latinoamericanos comparten la historia de la represión y la injusticia por parte de sus gobernantes, sobre todo en aquellos donde ha existido dictadura e intervencionismo extranjero como son los casos conocidos de Chile y Argentina con sus dictaduras militares. El documental El caso Pinochet aborda de una manera interesante y original la dictadura de Chile y se enfoca al punto de vista de las personas que siguen esperando la justicia.

El caso Pinochet no es un documental sobre cómo se practicaban las torturas, ni de cuántos desaparecidos o presos políticos hubo durante el período que gobernó este dictador, aunque sí se abordan estos puntos en menor medida. Es un documental sobre la injusticia y de cómo el sistema aún no está preparado para procesar realmente los casos de personajes influyentes en esferas políticas internacionales como es el caso de Augusto Pinochet. Es un documental sobre la lucha por la justicia desde una trinchera sensibilizada y que no fue afectada directamente por la dictadura, es decir la justicia española a través del juez Baltazar Garzón quien con investigaciones y fundamentos en leyes internacionales lleva la demanda y sentencia a Pinochet desde España por crímenes contra la humanidad.

comentario el caso pinochet

Generalmente, los documentales e información que circula sobre las dictaduras militares se enfocan sólo a mostrar el número de víctimas o desaparecidos y cómo se ejecutaban los arrestos. El director Patricio Guzmán va más allá de eso con El Caso Pinochet pues indaga desde la justicia, compartiendo así un poco de la esperanza de los familiares entrevistados que nunca bajaron la guardia y lucharon por ser escuchados, de los abogados y jueces de España que ayudaron a llevar la demanda contra el dictador y del mismo cineasta que al mostrar esta historia ya hace un llamado a no guardar silencio ante las injusticias. 

Este documental no es sólo informativo como es el caso de muchos documentales que sólo hablan de los hechos que acontecieron, sobe todo enfocados para ser documentos históricos o de investigación, es un aliento todavía para los países latinoamericanos, que a pesar de no estar propiamente bajo dictaduras, si están bajo represiones de sus propios gobiernos, como es el caso de México.

La forma narrativa de este documental es clásica, se muestran los hechos a través de datos documentados, entrevistas con las personas afectadas que llevan el hilo argumental, imágenes de archivo, imágenes de los lugares citados y también los testimonios de la parte antagonista, todo ello para mostrar de manera redonda cómo un grupo de familiares no se dieron por vencidos y buscaron ser escuchados en sus demandas fuera de Chile.

Pero el elemento más fuerte, tal vez, es el testimonio de las víctimas que sobrevivieron a esta catástrofe, lo que impregna aún con más motivación y esperanza para que otros tampoco se queden callados y busquen en algún lugar ser escuchados.

Poco a poco la historia se va tramando con la remembranza de las torturas, pero ahora no son meramente informativas, vienen de viva voz, quieren compartir la fortaleza que a lo largo del tiempo ha ganado. Las vidas de las víctimas no son lo mismo desde la dictadura, pero siguen adelante, con o sin apoyo buscan ser aliento de otros perseguidos. Esto es lo que aporta un valor agregado al documental y lo hace ser más que un simple testimonio de hechos.

Con El caso Pinochet y otros documentales de este director nos damos cuenta de su intención tan clara: hacer que la historia no se olvide para no estar condenados a repetirla, él mismo fue víctima de la represión de su país al ser amenazado de fusilamiento, por lo que tuvo que huir de Chile en el año 73, esta empatía se transmite en todo el documental, pues es muy clara la postura del film contra Pinochet.

Sobre los eventos trágicos del pasado no se pueden cambiar las cosas, pero sí el futuro. Guzmán comprende muy bien esto a través de la voz de las víctimas, quienes a pesar de haber sufrido tanto, cuentan su historia de supervivencia y de confianza en que el día de mañana las cosas puedan mejorar. La justicia se encontró al ser escuchados en cortes internacionales y con el arresto de Pinochet en Inglaterra. Sin embargo, el caso tuvo sus desavenencias, este personaje tuvo un apoyo muy fuerte por parte de Thatcher e incluso por un grupo minoritario de la población chilena.

El Caso Pinochet es una historia real de fuerzas contrarias, el conflicto está presente casi desde el inicio con las imágenes del grupo de personas que nos evocan el pasado, la búsqueda de los restos de sus familiares, la voz de los supervivientes, los juicios en tribunales y la imagen del dictador que en todo momento se muestra orgulloso y niega que haya cometido algún crimen.

Patricio Guzmán supo unir y yuxtaponer muy bien estas imágenes para guiarnos por el lado de quienes buscan la justicia, para mostrar a todo el mundo la contraparte de la historia oficial y aportar su granito de arena para que otras personas también se sientan motivadas o influenciadas por la fuerza de quienes sí deciden hablar y luchar en este documental.

Reseña La pasión según Berenice de Jaime Humberto Hermosillo

La pasión según Berenice es una película dirigida por Jaime Humberto Hermosillo. Fue estrenada el 18 de noviembre de 1976, aún en el período de Luis Echeverría, un sexenio también conocido como la segunda época de oro. Esta cinta es considerada como una de las mejores películas dentro de la historia del cine mexicano, en su año obtuvo cinco nominaciones al premio Ariel y ganó los de mejor película y mejor director. A pesar de haberse producido en medio de la crisis económica del 76, esta película cuenta con mucha calidad sin contar con mucho presupuesto para su creación.
            Lo más llamativo en el afiche de esta película es la llama de fuego que sirve como telón a la imagen de Berenice (Martha Navarro), todo ello sobre un intenso rojo, mezcla de la pasión y la fogosidad, simbólicamente el erotismo y la muerte, lo primero dado por el rojo y la imagen de la mujer, lo segundo por el fuego y la piromanía que al final de la película es lo que causa la muerte de la madrina (Emma Roldán) de Berenice. Luego, en un segundo plano vemos a la pareja formada por Martha Navarro y Pedro Armendáriz, quienes viven intensamente una relación erótica pero de manera muy diferente. Destaca, por lo tanto, para el interés del público, el talento actoral, quienes de cierta manera aseguraban cierto éxito a pesar de que el director tuviera pocas producciones anteriores.

película la pasión según berenice
            La pasión según Berenice es una película provocadora e intrigante, sobre todo por la personalidad de su protagonista, una mujer seria que guarda secretos y que al llegar el detonante de su pasión, Rodrigo, se modifica su imagen ante el espectador creando una posible identificación, pero a la vez es inexplicable su comportamiento, sobre todo el hecho de quemar la casa con la abuela adentro. Berenice es un personaje siniestro y a través de acciones muy sutiles que la cámara nos devela a través del recurso del espejo nos damos cuenta de lo que en verdad quiere y no muestra a los demás personajes. Inicialmente ella no tiene el control de las cosas, es una mujer señalada, culpada por la muerte de su esposo, con una psicología que bien puede ser la de una persona que ha guardado todos los rencores y al final después de tanto tiene que explotar con una decisión y acción contundentes como es la muerte, el incendio y el escape.

            La trama de la película es muy atractiva y narrada de una forma clara. Dentro de los atractivos destaca la buena realización y dirección de actores, quienes realmente encarnan a estos personajes que paulatinamente se van convirtiendo de “encantadores” a viles y desconcertantes. ¿Qué lleva a Berenice a guardar sus sentimientos y sobre todo sus instintos reflejados en el sueño del incendio con los caballos? La posible respuesta es la insidiosa actitud de la abuela que representaría en todo caso a una sociedad basada en valores tradicionalistas, donde el erotismo debe mantenerse a raya. Berenice es una típica mujer fatal que anda por la vida atrayendo a los hombres intencionalmente pero sin otro interés que el de elevar su ego.

            La música de La pasión según Berenice se sitúa en escenas donde se intenta crear una atmósfera de cierto suspenso y de introspección de Berenice, aumentando tensión en el espectador además de expectativa. Luego una música coral al final comienza con la escena de preparación del fuego, se crea una atmósfera celestial, que nos remite a la redención espiritual en la tradición cristiana, pero a la vez algo muy retorcido sucede en escena, la dualidad de lo angelical con lo perverso, la melodía avanza y se convierte en el final que crea la ansiada libertad de Berenice, una libertad espiritual, física y moral. Simbólicamente se representa con dar la muerte a su verdugo (la madrina) y dejar la casa. Con la sinfonía número 2 de Gustav Mahler, titulada Resurrección, vemos también que se empata con una especie de “resurrección” de Berenice que al dejar atrás el pasado con el incendio nace a una nueva vida y también se relaciona de manera redonda con la pasión de Jesucristo y su resurrección, hecho que desde el propio título está implícito. 

reseña la pasion segun berenice

lunes, julio 28, 2014

Relojes inteligentes versus relojes teletransportadores Power Rangers

Investigando un poco acerca de los relojes inteligentes recordé los episodios de los Power Rangers. ¡Ah! Cómo olvidar cuando los personajes se teletransportaban a cualquier parte del mundo y hasta fantaseábamos con tener uno de esos. Pues la realidad a veces supera la ficción, pero hasta ese grado aún no hemos llegado.

Lo que sí es una realidad es que existen en el mercado unos relojes llamados “inteligentes” por poseer un sistema operativo con el que se manejan aplicaciones que van más allá del uso normal de un reloj. De hecho, el concepto “reloj”  ya va quedando obsoleto con la presencia de estos dispositivos, que son todo menos un reloj.

Pues sí. Tenemos por ejemplo el Gear 2 de Samsung o el SmartWatch de Sony o el próximo en aparecer, iWatch de Apple. ¿Y qué hay con estos relojes? Bueno, para quienes no los conocen, baste decir que sólo les falta teletransportar, pues hacen prácticamente de todo.

reloj inteligente weareable, iwatch


El concepto del reloj ya no es el mismo de hace unos años. Ahora podemos comunicarnos, medir nuestra presión, crear y mandar documentos por internet, ubicarnos geográficamente estemos donde estemos, prácticamente podemos realizar todas las funciones de un smartphone sin ningún contratiempo.

Sin embargo, no todo es miel sobre hojuelas, ya que para muchas de las funciones señaladas se requiere la conexión física o remota con otros dispositivos, ya sea una computadora o un teléfono.

Ante todo esto me pregunto si toda esta tecnología es sólo una moda pasajera o si los relojes inteligentes han llegado para quedarse. El tiempo es el único que tiene la respuesta y pronto veremos si dichos accesorios serán sólo un lujo, como muchos relojes clásicos en la actualidad, o se convertirán en una “necesidad” que las propias marcas impongan.

relojes tecnología



lunes, julio 21, 2014

Languidez

Hablo con mi lengua lánguida
porque ya harta de mi torpe andar
no encuentra sostén. Sólo delirio.

Muero. Porque mi voz ya duele
en la invocación de la crisálida
Morí. Porque el viento golpeó mi sombra y hoy no tuve dónde guarecerme.
Moriré. Flotando entre el techo y mi cama. Porque siempre lo soñé así.


El último día

Todos los días sale de su casa a las diez de la mañana. Prefiere sentarse en una banca de algún jardín cercano  que permanecer encerrado en su casa todo el día escuchando las quejas de su esposa. Hace un año se enteró de su enfermedad. Poco a poco su vida se iría apagando a causa de todo lo que respiró durante 30 años en esa mina. David ya no tiene que preocuparse por salir a trabajar, la mina le dio una generosa indemnización que le durará hasta el día de su muerte. Los médicos le dieron máximo un año, poco más, poco menos. A partir de ese momento tomó la decisión de comenzar a fumar, de nada había servido cuidar su alimentación y su cuerpo y no tener ningún vicio.

cuento mina mineroEl año se ha cumplido y David sigue aquí, a pesar de haber ingresado varias veces al hospital. Sus pulmones aún aguantan. Hoy sale como de costumbre, toma una gorra y unas monedas de la mesa para comprar el periódico. No se despide de su mujer. Su paso por la calle es lento, su rostro denota cansancio, llega a un jardín pero esta vez no se sienta a respirar el aire o a fumar un cigarrillo. Se sigue de largo.



David ya no es el aquel que llegó con esperanza de formar una familia a esta ciudad. Hoy su caminar no tiene rumbo, su mirada se dirige a ningún punto. Al cruzar la calle no voltea hacia los lados y un coche casi lo atropella; no se inmuta y sigue su andar. David no tiene hijos que le acompañen en su enfermedad. Sigue caminando, saca un cigarro y lo enciende con dificultad, tras la primera fumada tose fuerte varias veces, se toca el pecho, seguramente el dolor inminente le ha llegado. Su cuerpo se encorva. Las miradas curiosas sólo lo ven, murmura la gente y se aleja de él como si fuera un hombre con lepra del que todo mundo debe huir. Su cuerpo pide ayuda, nadie atiende. El cigarro cae al suelo. David saca un pañuelo de su pantalón para toser en él, su cara demacrada, los ojos fijos al cielo y el cuerpo casi esquelético cae el piso. Una paloma se acerca al pañuelo ensangrentado como único testigo del solitario final de David.

Comentario sobre la película Drama/Mex de Gerardo Naranjo

La película Drama/Mex del director Gerardo Naranjo es una muestra de cómo las pequeñas historias pueden hacer una gran historia haciendo una correcta yuxtaposición de imágenes. El filme nos adentra a un mundo caótico de personajes que se conectan entre sí y que tienen en común un conflicto personal.

Una adolescente que intenta comenzar en el mundo de la prostitución, una pareja de jóvenes que no saben lo que quieren y que se mueven sólo por el deseo y un hombre maduro que por una extraña razón quiere suicidarse, son los personajes que cobran vida en esta película.

Al inicio se puede pensar que no tienen nada en común, pero Gerardo Naranjo logra retratar el drama humano a partir de personajes sencillos que representan una generalidad en cuanto a los problemas, miedos, deseos o pasiones humanas. Lo dramático es lo humano, en lo dramático se ponen en juego dichas pasiones y miedos. En ese sentido, esta película logra ser universal.

película drama/mex comentario


El título, Drama/Mex, hace una buena referencia a lo que se logra con el trabajo de los actores y las situaciones en las que se nos integra como espectadores. Pero va más allá de la acepción formal de drama como acción; es el drama exagerado, casi peyorativo, donde se le da una mayor importancia al algo que podría ser irrelevante.

El hecho de que sea Mex circunscribe la historia a México, pero no lo cierra de manera exclusiva a este lugar porque los miedos y deseos de los personajes son universales y la identificación con alguno de ellos se puede dar independientemente de la procedencia.

Drama/Mex nos devela la condición humana ante el desgano hacia la vida que se da por factores sociales o familiares. En la película, los motivos de las acciones principales pasan a un segundo plano y sólo importa retratar el drama que se hace en el presente y cómo los personajes van resolviendo o no los problemas que surgen. La mayoría de los personajes son jóvenes y los problemas que se presentan son típicos de esa edad, sin embargo, el personaje maduro entra como contraste y como confirmación de que “hacer un drama” de los actos cotidianos no sólo está en los jóvenes.

El movimiento de cámara en mano ayuda a ver más de cerca de los personajes y seguirlos en sus dramas personales. La forma en que la historia se conecta le agrega más progresión a la historia. Un aspecto interesante es que los personajes se mueven aparentemente sin ningún motivo, pero no es que no lo tengan, sino que no se pone énfasis en ese aspecto.


Existe una intención de entrelazar la historias de los personajes para que incidan entre sí, este recurso hace que la película no se centre en un solo personaje y que unos y otros incidan en las acciones de los demás para cambiar su perspectiva hacia la vida.